AUSSENWERBUNG WESEL 1979

Dieser Arbeit aus dem Jahre 1979 lag ursprünglich mein erster kommerzieller Auftrag zugrunde. Ich sollte für eine guten Bekannten Werbetafeln und Litfaßsäulen in Wesel fotografieren. Er vermarktete damals Werbetafeln für Außenwerbung an die werbetreibende Industrie. Für seine Akquisition benötigte er ein paar Referenzbilder.

AUSSENWERBUNG WESEL 1979 © k.enderlein FOTOGRAFIE

Durch diese Auftragsarbeit, mit der ich damals knapp 280,00 DM Umsatz machte, sensibilisierte ich allerdings meine Aufmerksamkeit für diese Bildtafeln im urbanen Raum. Zuvor waren sie eher im Selbstverständnis meiner visuellen Wahrnehmumg unter gegangen – sicher zum Leidwesen der Werbeindustrie, die mich als junger Raucher und Biertrinker zu ihrer Zielgruppe zählen musste. So erweiterte ich im selben Jahr meine Sammlung mit zahlreichen verschiedenen Motiven. Erst heute weiß ich, dass ich damals mit dieser Arbeit fast unbeabsichtigt ein Dokument geschaffen hatte, das das Eindringen von Werbung in den öffentlichen Raum und somit auch in unser Leben in der Mitte der 70er Jahre dokumentiert.

Die Standpunkte wählte ich eher nach dokumentarischen als nach werblichen Gesichtspunkten aus der Sicht des Autofahrers oder des Fugängers. Dadurch wirken die Motive zunächst belanglos, erhalten aber bei aller unterschiedlichen formalen Herangehensweise einen seriellen Charakter in der Gesamtsequenz. Der Zwiespalt des Betrachters zwischen der Suche nach der Botschaft auf der Tafel oder der Säule und der Verortung derselben im abgebildeten Umfeld erzeugen die Spannung der einzelnen Motive.

alle Motive dieser Werkgruppe finden Sie in den SCHUBLADEN meines Archivs unter SELTENE EINSICHTEN AUSSENWERBUNG WESEL 1979

SELBSTPORTRAITS – PHANTOMBILDER

ke-Selbstportraits frei nach Luigi Ghirri

SELBSTPORTRAIT ke PHANTOMBILD #4 © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

SELBSTPORTRAIT ke PHANTOMBILD #5 © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

SELBSTPORTRAIT ke PHANTOMBILD #1 © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

SELBSTPORTRAIT ke PHANTOMBILD #10 © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

SELBSTPORTRAIT ke PHANTOMBILD #2 © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

SELBSTPORTRAIT ke PHANTOMBILD #9 © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

SELBSTPORTRAIT ke PHANTOMBILD #12 © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

SELBSTPORTRAIT ke PHANTOMBILD #13 © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

SELBSTPORTRAIT ke PHANTOMBILD #3 © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

SELBSTPORTRAIT ke PHANTOMBILD #6 © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

SELBSTPORTRAIT ke PHANTOMBILD #11 © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

SELBSTPORTRAIT ke PHANTOMBILD #7 © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

PHANTOMBILDER – Auf Wikipedia erfahren wir: Ein Phantombild ist ein polizeiliches Hilfsmittel zur Ermittlung des Straftäters und wird auch bei der Rekonstruktion von Gesichtern von Verbrechensopfern oder archäologischer Funde eingesetzt. Für mich ist ein Phantombild eine Art Platzhalter für jemanden, den ich nicht sehen kann, über den ich aber etwas erfahre, wenn ich das Bild betrachte. Ein Phantom ist nicht sichtbar, es hinterlässt aber Spuren. Die Spuren, die ich in meinen „Selbstportraits“ hinterlasse, sind die Dinge, mit denen ich mich in meiner fotografischen Arbeit auseinandersetze: Bücher, Kataloge, Bilder, aber auch andere Gegenstände, die ich täglich in meinem privaten Umfeld betrachte. Die Zeigung dieser Bilder ist eine Art Steckbrief von mir. Noch ein Begriff der polizeilichen Ermittlung von Straftätern: Steckbrief, eine abstrakte Beschreibung einer Person, die in diesem Fall zwar identifiziert ist – nämlich ich selbst, aber die man nicht sieht.

Ich sehe in meinen Motiven etwas sehr persönliches über mich. Ein Freund sagte mal vor langer Zeit zu mir: „Zeig´mir deinen Büchersschrank, und ich sage dir, wer du bist.“ Seit dieser Zeit schaue ich sehr konzentriert in die Bücherregale der Menschen, die ich besuche, wo immer ich Gelegenheit dazu habe. Und tatsächlich, ich glaube jedesmal etwas mehr über die Besitzer der Bücherregale zu erfahren. Als Fotograf ist mir ohnedies die Eitelkeit zu eigen, nicht zu häufig im Portrait abgebildet zu sein – da zeige ich doch lieber die persönlichen Gegenstände in meinen Regalen zuhause.

Duch die Ausstellung Luigi Ghirri – Karte und Gebiet im Folkwang Museum Essen motiviert habe ich aus meinen Schubladen ein paar dieser Phantombilder heraus gesucht. Ich erinnerte mich beim Besuch der Ausstellung an eigene Arbeiten, die ich gleichwohl im ähnlichen Zusammenhang immer wieder gemacht hatte.

In dem Kurztext von Luigi Ghirri zu seiner Werkgruppe Identikit 1976-1979 schreibt der Fotograf sehr schön über sein Motiv für diese Arbeit:

[…] Es ging mir in dieser Arbeit darum, zu verdeutlichen, dass mein Zuhause Tag für Tag Übungsfeld nicht nur für banale und allbekannte Gesten und Verhaltensmuster ist, sondern auch für die Ausgestaltung meiner Arbeit. Für dieses Selbstportrait habe ich die Gegenstände (Bücher, Schallplatten usw.) dazu berufen, Zeugnis abzulegen von meiner Fantasie, meiner Beziehung zum Wissen, zur Kultur, davon, wie ich meine Zeit verbringe: mit Lektüre, mit Musikhören, mit dem Planen von Reisen. […]

Ich verstehe diese Fotografien mehr als einen Akt des Sich-Zeigens als des Sich-Darstellens. […]

Mehr Phantombilder von Freunden und von mir finden Sie in den SCHUBLADEN meines Archivs ZUHAUSE BEI … Seit 2014 arbeite ich dieses Thema.

AUS MEINEN SCHUBLADEN 05.2018

In den frühen 80er-Jahren war ich neben meiner täglichen fotografischen Industrie- und Werbearbeit auch noch ein echter Straßenfotograf. Mitten im Revier, im Duisburger Bruckhausen, nutzte ich die arbeitsfreie Zeit zu fotografischen Bestandsaufnahmen einer multikulturellen Gesellschaft. Der Begriff multikuturell war damals noch lange nicht negativ besetzt und stand mit Assoziationen zu Buntheit und Vielfältigkeit für eine neue spannende Welt, die sich deutlich vom deutschen Nachkriegsbürgertum zu unterscheiden schien.

Und so waren es nicht gesellschaftliche sondern erst recht die äußerlichen, formalen Unterschiede, die mich reizten, zu fotografieren. Die Menschen unterschiedlicher Kulturen hatten jeweils ihre eigenen sichtbaren Merkmale. In diesem „Mischraum“ fotografierte ich die Konfrontation von kopftuchtragenden Frauen und bunter Konsumgüterwerbung, kochenden deutschen Hausfrauen und putzenden türkischen Männern (!). In der Tat damals für mich nicht nur als Fotograf „Starke Perspektiven“.

Die vielen türkischen Familien im Ruhrgebiet hatten ihre Gewohnheiten aus ihrer Heimat mitgebracht und beseelten die Leerflächen zwischen den Siedlungshäusern aus Backstein. Mit ihren deutschen KollegInnen saßen sie in ihrer Freizeit in kärglich wirkenden Höfen und Gärten. Aber im häufigen Gegensatz zu heute waren sie im Gespräch miteinander.

Bis in die späten 90er-Jahre schien sich nur wenig zu ändern an dieser so typischen Vorstellung vom Revier. Erst im neuen Jahrtausend erlebte ich grundlegende Veränderungen, die sich mit der zunehmenden Technologisierung in der Industrie überproportional entwickelten. Heute sind die meisten Häuser in Werksnähe abgerissen, die türkischen Familien wichen ärmeren osteuropäischen Sippen, die Werksgelände sind kleiner und auch sauberer geworden und Kulturstätten feieren in diesem Jahr großformatig das endgültige Ende der Kohleförderung in Deutschland.

Ich bin gespannt, wie es mit meiner Wahlheimat weiter geht und ob junge unvoreingenommene FotografInnen endlich ein neues Bild vom Ruhgebiet zu zeichen in der Lage sind. Anstelle ins europäische oder gar ferne Ausland zu reisen, wünschte ich mir, dass wieder mehr Fotografie-DozentInnen unserer wirklich großartigen Hochschulen mit ihren StudentInnen im Ruhrgebiet einfallen, um neue Bilder einer neuen Landschaft zu arbeiten.

VORSCHAU – LANDUNG AUF EINEM PLANETEN

Fotoausstellung in der StudioGalerie Karl Lang

Sonntag, 04.11.2018, von 15:00 bis 17:00 Uhr

Am Freitag, dem 02. November 2018 um 19:00 Uhr, wird in der StudioGalerie Karl Lang in Essen-Bredeney die Ausstellung „LANDUNG AUF EINEM PLANETEN“ mit Großfotos von Karl Lang eröffnet.

Karl Lang (*1932) brachte von seinen zahlreichen Reisen in den Norden Chiles einzigartige Fotografien von der trockensten Wüste der Erde mit, die sich zwischen der Küstenregion am Pazifik und den schneebedeckten Vulkanbergen der Anden erstreckt.
Die Farbfotografien im Panorama-Format vermitteln die Weite und Einsamkeit dieser Landschaft und zeigen riesige Lavafelder und schier endlos wirkende Berglandschaften. Die menschenleeren Bilder lassen keine Orientierung zu. Die Karkheit der Motive assoziiert Bilder vom Mars oder Bilder von Planeten aus der Science-Fiction-Literatur. Karl Lang schafft in seinen Bildern den Raum für eigene Fantasien. Und so ist es belanglos, an welchen Stellen unserer Erde diese Aufnahmen entstanden sind. Es ist ein Vergnügen beim Eintauchen in die Bilder, auf eine Reise zu einem anderen Planeten mitzugehen.

Nach zahlreichen Buch-Veröffentlichungen und Ausstellungen dieser Werkgruppe zeigt die StudioGalerie jetzt erstmals die Panorama-Fotografien im Großformat. Als Co-Kurator der Präsentation durfte ich mit Karl Lang die vorbereitende Digitalisierung der Original-Dias für die Großdrucke arbeiten. Die Direktdrucke auf Aluverbundplatten wurden, wie bei meiner vielbeachteten Ausstellung der SEESTUECKE + FREIRAEUME im letzten Jahr an gleicher Stelle, von Lösing & Lösing Produktion in Essen realisiert.

Die StudioGalerie ist am Sonntag, 04.11.2018, von 14:00 bis 17:00 Uhr und nach Vereinbarung geöffnet.

StudioGalerie KARL LANG, Heierbusch 1a (auf dem Hof), 45133 Essen-Bredeney

weitere Informationen zu Karl Lang und seinen Werken finden Sie auf seiner Zuhause-Seite unter Langfoto.de

LUIGI GHIRRI – KARTE UND GEBIET

Lugi Ghirri – Wegbereiter der europäischen Farbfotografie: Das Museum Folkwang präsentiert Hauptwerke des italienischen Fotografen

vom 4. Mai bis 22. Juli 2018

MUSEUM FOLKWANG, Luigi Ghirri - Karte und Gebiet, Ausstellungsansicht, Foto: © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

MUSEUM FOLKWANG, Luigi Ghirri - Karte und Gebiet, Hans-Jürgen Lechtreck (Geschäftsführender Direktor), Foto: © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

MUSEUM FOLKWANG, Luigi Ghirri - Karte und Gebiet, Petra Steinhardt (Projektleitung, Fotografische Sammlung), Foto: © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

MUSEUM FOLKWANG, Luigi Ghirri - Karte und Gebiet, Gastkurator James Lingwood, Foto: © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

MUSEUM FOLKWANG, Luigi Ghirri - Karte und Gebiet, Hans-Jürgen Lechtreck (Geschäftsführender Direktor) und Gastkurator James Lingwood, Foto: © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

MUSEUM FOLKWANG, Luigi Ghirri – Karte und Gebiet, v.l.n.r.: Gastkurator James Lingwood, Ghirris jüngste Tochter Adele, Petra Steinhardt (Projektleitung, Fotografische Sammlung), Franziska Kunze (Stipendiatin der Alfried Krupp von Bohlen und Halbach Stiftung „Museumskuratoren für Fotografie“) und Hans-Jürgen Lechtreck (Geschäftsführender Direktor), Foto: © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

MUSEUM FOLKWANG, Luigi Ghirri – Karte und Gebiet, v.l.n.r.: Gastkurator James Lingwood, Ghirris jüngste Tochter Adele und Hans-Jürgen Lechtreck (Geschäftsführender Direktor), Foto: © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

MUSEUM FOLKWANG, Luigi Ghirri - Karte und Gebiet, Anna Sophie Littmann (Pressereferentin) im Fokus eines Kollegen, Foto: © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

Die Ausstellung Karte und Gebiet im Museum Folkwang (4. Mai – 22. Juli 2018) ist die erste umfassendere museale Auseinandersetzung mit dem fotografischen Werk Luigi Ghirris außerhalb seines Heimatlandes Italien.

Sie präsentiert mit über 300 Fotografien ein Œuvre an Farbfotografien, das im Europa jener Zeit eine herausragende Rolle einnimmt. Stillleben, Landschafts- und Architekturaufnahmen sowie der soziale Wandel in seiner Heimatstadt Reggio Emilia prägen die Motivwelt des Fotografen. Die Essener Präsentation bildet den Auftakt eines Ausstellungsprojektes, das Ghirris Werk im Anschluss nach Madrid und Paris führt.

In den 1970er Jahren begann der gelernte Landvermesser Luigi Ghirri (1943–1992) , an Wochenenden mit seiner Kamera die Straßen, Plätze und Vororte Modenas zu durchstreifen –

immer auf der Suche nach Themen und Projekten. „Mich interessieren flüchtige Architekturen, die Welt der Provinzen, Objekte, die allgemein dem schlechten Geschmack zugeordnet werden, es für mich aber nie waren, Objekte, die erfüllt sind von Wünschen, Träumen, kollektiven Erinnerungen… Fenster, Spiegel, Sterne, Palmen, Atlanten, Globen, Bücher, Museen“, bemerkte Ghirri.

Er betrachtete seine Umwelt und die von Menschen geschaffenen Landschaften und Lebensräume seiner Heimatstadt Reggio Emilia. Scharfsinnig hielt Ghirri in seinen kleinformatigen Fotografien die Veränderungen seiner Umgebung fest. Neue Formen des Wohnens und Lebens, der Freizeitgestaltung oder der Werbung waren seine Hauptmotive. Ghirri nahm im Verlauf der 1970er Jahre tausende von Fotografien überwiegend frontal und in einer spezifischen, verhaltenen Farbigkeit auf. Er entwickelte nicht nur einen einprägsamen Stil, sondern auch ein konzeptuelles Rahmenwerk, um seine Arbeiten zu präsentieren. Ghirri dachte in Serien – wie beispielsweise Paesaggi di cartone (Papplandschaften), 1971–1973, Catalogo (Katalog), 1971–1972, oder Colazione sull’erba (Das Frühstück im Grünen), 1972–1974.

Diese waren zumeist offen angelegt, auch um interessante Neukombinationen aus diesem Fundus nicht auszuschließen. Ebenso konzipierte erdichte, umfassende Bildzyklen wie beispielsweise Atlante, wie auch Bücher und Leporellos. Diese erste Schaffensdekade gipfelte in zwei bedeutsamen Höhepunkten: zum einen in der Publikation Kodachrome im Jahr 1978, eines der exzeptionellsten Fotobücher des Jahrzehnts, und zum anderen in der großen Ausstellung Vera Fotografia in Parma 1979, die Ghirris einzigartiges Œuvre in Form von 14 verschiedenen Projekten und Themen vorstellte. Karte und Gebiet greift die poetische Kartografie dieser bedeutenden Ausstellung aus dem Jahr 1979 auf.

Sie spiegelt Ghirris beständige Faszination für die verschiedenen Repräsentationen der Welt, wie sie sich in Reproduktionen, Bildern, Plakaten, Modellen und Karten offenbaren und als solche bisweilen zeichenhaft inmitten der Stadt oder der Landschaft eingebettet sind. Die Vermittlung jener Erfahrungswerte in Form von Fotografien von einem Italien, das zwischen dem Alten und dem Neuen balancierte, stellte für Ghirri ein unerschöpfliches Erkundungsgebiet dar.

Der Titel Karte und Gebiet folgt in der von James Lingwood kuratierten Ausstellung einer Aussage des Fotografen, die einen Grundgedanken seines Werkes transportiert: „Ich wollte keine FOTOGRAFIEN machen, sondern LANDKARTEN, PLÄNE, die gleichzeitig Fotografien sein sollten.“

Die Ausstellung wird organisiert vom Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, in Zusammenarbeit mit dem Museum Folkwang, Essen, und der Galerie nationale du Jeu de Paume, Paris.

alle Fotos meines Bildberichts finden Sie in den SCHUBLADEN meines Archivs unter PhotoAlbum SCHUBLADEN/BEGEGNUNGEN

weitere Informationen finden Sie auf der Zuhause-Seite des Museum Folkwang unter Museum Folkwang – Luigi Ghirri

der WDR hat ein schönes Tondokument zu der Ausstellung WDR 3 – Mosaik

LUIGI GHIRRI – KARTE UND GEBIET

FOTOGRAFIEN DER 1970er JAHRE

„Mich interessieren flüchtige Architekturen, die Welt der Provinzen, Objekte, die allgemein dem schlechten Geschmack zugeordnet werden, es für mich aber nie waren, Objekte, die erfüllt sind von Wünschen, Träumen, kollektiven Erinnerungen… Fenster, Spiegel, Sterne, Palmen, Atlanten, Globen, Bücher, Museen und Menschen […]“

So artikulierte Luigi Ghirri (*1943 †1992) seinen Anspruch an seine fotografische Arbeit, der er sich ab 1973 im Alter von 30 Jahren ganzheitlich widmete. Zuvor hatte er nach einer Ausbildung zum Vermessungstechniker fast zehn Jahre als Landvermesser gearbeitet. So wundert es nicht, dass Ghirri nach fast einem Jahrzehnt minutiöser und präziser technischer Arbeit danach in seinen fotografischen Werken mit dem perspektivischen Raum – mit Themen wie Abgrenzung, Gegenüberstellung, Rahmen und Innen- und Aussensichtweisen – ebenso akkurat und linienorientiert umgeht.

Luigi Ghirri, L´IIe-Rousse 1976 © Eredi Luigi Ghirri

Eastbourne 2017 © k.enderlein FOTOGRAFIE

Bei der Vorbesichtigung der Ausstellung im Museum Folkwang erfuhr ich ein Höchstmaß an Vergnüglichkeit, Bilder eines Fotografen zu sehen, die meinen eigenen Vorstellungen der Aufwertung sogenannter „Unräume“ durch formale Bildästhetik so nahe kommen. Als Autodidakt hatte Ghirri seine Impulse für seine Arbeiten von den Fotografien der „großen Kollegen“. Er erklärte mehrfach, sich von der Sensibiltät eines Walker Evans am stärksten angesprochen zu fühlen. Wie gut ich das nachempfinden kann. Auch ich lasse mich nicht nur von der Literatur, den Malern, sondern auch immer wieder von den Bildästheten der Fotografie inspirieren.

Luigi Ghirri, Lido di Spina, 1974 © Eredi Luigi Ghirri

Wijk aan Zee 2017 © k.enderlein FOTOGRAFIE

Eine Vorliebe für bestimmte Motive in einer eindeutigen Bildsprache scheine ich mit dem Künstler Luigi Ghirri gemein zu haben. Das macht mich gar ein wenig stolz – das Gefühl, mit dem Anspruch an meine fotografische Arbeit nicht alleine zu sein. Was wären wir kreativ Arbeitenden ohne eine gute Portion Eitelkeit. Über Ghirris Eitelkeiten kann man in seinen Kurztexten etwas erfahren, die im Katalog jeder der insgesamt fünfzehn Werkgruppen voran gestellt sind.

Luigi Ghirri, Brest, 1972, © Eredi Luigi Ghirri

Paris 1980 © k.enderlein FOTOGRAFIE

Wenn auch der Katalog zur Ausstellung 45 €uro kostet, fast 300 Farbtafeln und Illustrationen rechtfertigen diese Investition. Herausgeber James Lingwood sowie Maria Antonella Pelizarri und Jacopo Benci erläutern darin die Arbeit und das Werk Ghirris umfangreich und dennoch spannend.

Luigi Ghirri, Egmond aan Zee 1973 © Eredi Luigi Ghirri

Scheveningen 2014 © k.enderlein FOTOGRAFIE

Luigi Ghirri, Paris 1972 © Eredi Luigi Ghirri

Museum Folkwang © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

Auch Landschaftaufnahmen Ghirris letzter Schaffensdekade in den 1980er Jahren finden Sie in seinem Archiv unter Archivio Luigi Ghirri

weitere Informationen zur Ausstellung in Essen finden Sie auf der Zuhause-Seite des Museum Folkwang unter Museum Folkwang – aktuelle Ausstellungen

DÜSSELDORFER NACHT DER MUSEEN

DIE NACHT – MEIN BILDBERICHT

14. April 2018 in Düsseldorf – 23.000 Kunstinteressierte genossen eine Nacht voller Kunst

In der regenfreien Frühlingsnacht machte auch ich mich auf den Weg in die vielfältigen Zeigeräume der Landeshauptstadt. In 40 Museen, Galerien und Off-Locations gabs Party und Performance, Kunst und Kabarett, Tiere und Theater. Aber weniger den ausgestellten Kultur-Exponaten schenkte ich meine Aufmerksamkeit, sondern den vielen BesucherInnen der Veranstaltung – nicht nur den KünstlerInnen, sondern zum Beispiel auch der freundlichen Bierverkäuferin am Veltins-Kühlschrank im Garten der Alten Kämmerei. Ich verspürte eine angenehme Atmosphäre in der lauen Luft der Stadt. Kunstinteressierte mischten sich mit Altstadtbesuchern ebenso wie mit KünsterInnen und FunktionerInnen, beim Bier oder Wein, bei Musik oder Gesang, sowie beim Gespräch oder Bestaunen.

Das vielfältige Angebot an Kunst, Kultur, Kommerz und Kuriositäten sorgte in der Nacht für eine Begegung mit Menschen unterschiedlichster Persönlichkeiten und Ansprüche. Alle fühlten sich in ihrem Interesse für eine Kultur in einer bunten Welt irgendwie verbunden, und ich war froh, da mitten drin zu sein.

Traditionell – ab dem zweiten Mal kann ich das so sagen – arbeitete ich mit meiner Hasselblad XPan II-Analog-Kamera auf ein 24x65mm-Format. Das Fachlabor hsl in Düsseldorf half mir, wie immer professionell, bei der Neagtiventwicklung meiner Lomography F2/400-Color-Negativfilme.

Düsseldorfer Nacht der Museen 2018, Steffen Ademmer © k.enderlein FOTOGRAFIE

Düsseldorfer Nacht der Museen 2018 © k.enderlein FOTOGRAFIE

Düsseldorfer Nacht der Museen, Hilde Hüllwegen 2018 © k.enderlein FOTOGRAFIE

Düsseldorfer Nacht der Museen 2018 © k.enderlein FOTOGRAFIE

alle Fotos meines Bildberichts finden Sie in den SCHUBLADEN meines Archives unter PhotoAlbum SCHUBLADEN/BEGEGNUNGEN

BERND und HILLA BECHER. BERGWERKE

Typologien von Fördertürmen und Industrielandschaften des Fotografen-Duos in einer Ausstellung im JOSEF ALBERS MUSEUM QUADRAT in BOTTROP

4. Mai bis 16. September 2018

JOSEF ALBERS MUSEUM QUADRAT BOTTROP, Ausstellung Bernd und Hilla Becher. Bergwerke – Foto: © k.enderlein FOTOGRAFIE

„Ende der 195Oer ]ahre war die Kohleförderung an der Ruhr das erste Mal nach dem Wel tkriegrückläufig, weil preisgünstige Importkohle und Erdöl die heimische Steinkohle als Energieträger vom Markt verdrängte. In der Folge der Überproduktionskrise wurden erste Zechen stillgelegt. Als 1957 die Abbrucharbeiten der Grube Eisenhardter Tiefbau in der Nähe von Siegen schneller durchgeführt wurden als Bernd Becher (1931-2007) die industriellen Objekte zeichnen konnte, begann er zu fotografieren, um den raschen Wandel in der Region zu dokumentieren, Bernd Becher wurde in Siegen geboren und konnte, wie er später erzählte, von seinem Elternhaus einen Hochofen ,,hören, sehen und riechen“. Er hatte freie Graphik und Typographie an der Kunstakademie Stuttgart studiert. Seine Fotografien dienten ihm zunächst als Vorlagen für seine Zeichnungen, Gemälde und Collagen von den im Verschwinden begriffenen Industriekomplexen. Zu dieser Zeit lernte er in Düsseldorf Hilla Wobeser (1934-2015) kennen, die an ihrem Geburtsort Potsdam eine Fotografenlehre absolviert hatte. Sie teilte sein Interesse an Industriekultur und brachte ihre fotografische Praxis in die von nun an gemeinsam durchgeführte Arbeit ein, die eine Form kollektiver Autorschaft in der Bildenden Kunst darstellt. Das Paar heiratete 1961, ihr Sohn Max wurde 1963 geboren, Bernd Becher erhielt 1976 eine Professur für Fotografie an der Staatlichen Kunstakademie Düsseldorf, an der er bis 1996 lehrte. Aus seiner Klasse stammen bedeutende Vertreter der deutschen Gegenwartsfotografie.

Bernd und Hilla Becher entwickelten zunächst im Ruhrgebiet, später in ganz Europa und den USA ein in der Kunstgeschichte beispielloses fotografisches Langzeitprojekt. Ihre in über fünf Jahrzehnten entstandenen Schwarz-Weiß-Aufnahmen anonymer Industriebauten von Fördertürmen, Hochöfen, Kohlebunkern, Kühltürmen, Fabrikhallen, Gasometern, Kieswerken und Getreidesilos stellten sie jeweils zu Tableaus zusammen, die sie seit Anfang der 1970er Jahre Typologien nannten. Diese vereinen verschiedene Aufnahmeorte und unterschiedliche Entstehungszeiten in sich und erlauben auf der Basis standardisierter Aufnahmebedingungen vergleichendes Betrachten. Die Methodik ihrer künstlerischen Arbeit bezieht sich auf eine aus den Naturwissenschaften entlehnte Systematik, die die verschiedenen ästhetischen Grundformen, Materialien und Variationen einer Konstruktionsart untersucht
und in exemplarischen Bildzusammenstellungen repräsentiert. Die fotografische Form ihrer Darstellung ist bewusst sachlich gewählt. Die mit einer 13 x 18 cm Plattenkamera aufgenommenen, in der eigenen Dunkelkammer ausgearbeiteten Abzüge geben die Objekte materialgerecht und detailliert in fein abgestuften Grautönen wieder. Das gewählte Aufnahmelicht ist diffus, so dass der Gegenstand ohne interpretierende Schatten vor einem gleichmäßig getönten Himmel abgebildet und in seiner ganzen Individualität sichtbar wird.

JOSEF ALBERS MUSEUM QUADRAT BOTTROP, Ausstellung Bernd und Hilla Becher. Bergwerke, Ausstellungsansicht – Foto: © k.enderlein FOTOGRAFIE

JOSEF ALBERS MUSEUM QUADRAT BOTTROP, Ausstellung Bernd und Hilla Becher. Bergwerke, Chris Durham (Schüler und ehem. Assistent der Bechers) erläutert die Ausstellung – Foto: © k.enderlein FOTOGRAFIE

JOSEF ALBERS MUSEUM QUADRAT BOTTROP, Ausstellung Bernd und Hilla Becher. Bergwerke, Ausstellungsansicht – Foto: © k.enderlein FOTOGRAFIE

JOSEF ALBERS MUSEUM QUADRAT BOTTROP, Ausstellung Bernd und Hilla Becher. Bergwerke, v.l.n.r.: Dr. Heinz Liesbrock (Direktor des Museums), Max Becher (Ltr. Studio Bernd und Hilla Becher) und Chris Durham (Schüler und ehem. Assistent der Bechers) – Foto: © k.enderlein FOTOGRAFIE

JOSEF ALBERS MUSEUM QUADRAT BOTTROP, Ausstellung Bernd und Hilla Becher. Bergwerke, Ausstellungsansicht – Foto: © k.enderlein FOTOGRAFIE

JOSEF ALBERS MUSEUM QUADRAT BOTTROP, Ausstellung Bernd und Hilla Becher. Bergwerke, Max Becher (Ltr. Studio Bernd und Hilla Becher) erläutert die Ausstellung – Foto: © k.enderlein FOTOGRAFIE

JOSEF ALBERS MUSEUM QUADRAT BOTTROP, Ausstellung Bernd und Hilla Becher. Bergwerke, letzte Vorbereitungen – Foto: © k.enderlein FOTOGRAFIE

JOSEF ALBERS MUSEUM QUADRAT BOTTROP, Ausstellung Bernd und Hilla Becher. Bergwerke, Max Becher (Ltr. Studio Bernd und Hilla Becher) – Foto: © k.enderlein FOTOGRAFIE

JOSEF ALBERS MUSEUM QUADRAT BOTTROP, Ausstellung Bernd und Hilla Becher. Bergwerke, Chris Durham (Schüler und ehem. Assistent der Bechers) und Max Becher (Ltr. Studio Bernd und Hilla Becher) – Foto: © k.enderlein FOTOGRAFIE

JOSEF ALBERS MUSEUM QUADRAT BOTTROP, Ausstellung Bernd und Hilla Becher. Bergwerke, MaxBecher (Ltr. Studio Bernd und Hilla Becher) im Fokus eines Kollegen- Foto: © k.enderlein FOTOGRAFIE

JOSEF ALBERS MUSEUM QUADRAT BOTTROP, Ausstellung Bernd und Hilla Becher. Bergwerke, Max Becher (Ltr. Studio Bernd und Hilla Becher) erläutert die Ausstellung – Foto: © k.enderlein FOTOGRAFIE

Das vielfach national und international ausgezeichnete Werk von Bernd und Hilla Becher wurde zunächst als praktizierter Denkmalschutz, als visueller Beitrag zur Industriearchäologie, ab den 197Oer Jahren als Teil der Konzeptkunst und schließlich als künstlerische Fotografie und Forschung verstanden und gewürdigt. Den Schwerpunkt dieser Ausstellung bilden die Typologien von Fördertürmen, die das Erscheinungsbild der Bergbauregionen besonders geprägt haben. Sie sind Aufzugsmaschinen, die nicht nur Kohle und Erz an die Oberfläche transportieren, sondern auch die Bergleute zur Arbeit unter Tage bringen. Obwohl die Konstruktionsmöglichkeiten dieses Bautyps beschränkt sind, haben sich doch in verschiedenen Ländern und Epochen unterschiedliche Prototypen herausgebildet, die von Formenvielfalt und fragiler Schönheit geprägt sind.
Die ebenfalls in der Aussteilung vertretenen Aufnahmen von Industrielandschaften legen durch ihren topografischen Stil und ihre damit verbundene privilegierte Sicht die Zusammenhänge der Werkanlagen von Schwerindustrie offen. Zusammen mit den Typologien der Fördertürme stehen sie symbolisch für das nun eintretende Ende des Zeitalters der Kohle, das die Gesellschaft vor immense Herausforderungen stellt.“

Pressetext JOSEF ALBERS MUSEUM QUADRAT, Prof. Thomas Weski

Weitere Informationen finden Sie auf der Zuhause-Seite des Museums unter JOSEF ALBERS MUSEUM QUADRAT BOTTROP

Alle meine Fotos zur Ausstellungsvorbesichtigung finden Sie in den SCHUBLADEN meines Avchives unter PhotoAlbum SCHUBLADEN/BEGEGNUNGEN

TOMAS RIEHLE. FOTOGRAFIE

Das Museum Insel Hombroich bei Neuss ehrt den im letzten Jahr verstorbenen Fotografen Tomas Riehle (*1949 †2017) mit einer umfangreichen Überblickausstellung aus seinem Lebenswerk.

Ein Besuch auf der Museumsinsel Hombroich bei Neuss lohnt sich immer – nicht nur für Kunst- und Kulturinteressierte. Doch dieser Tage gibt es neben den momentan üppig blühenden Kirschbäumen auf satt grünen Wiesen noch ein besonderes Seherlebnis auf dem Areal mit einer Gesamtfläche von über sechzig Hektar: in einer der „begehbaren Skulpturen“, nämlich dem Siza Pavillon, präsentiert die Stiftung Insel Hombroich einen Großteil des Lebenswerkes des Fotoästheten Tomas Riehle. Seine Fotografien der begehbaren Skulpturen Erwin Heerichs haben das Bild Hombroichs in aller Welt mitgeprägt. Riehle starb im Juni 2017. Die Stiftung Insel Hombroich widmet ihm nun eine Ausstellung, die fotografische Interpretationen bebauten und unbebauten Raums in ganz unterschiedlichen Werkreihen aus über vierzig jahren zeigt.

Vom 15. April bis 1. Juli 2018 sind Fotografien zu sehen aus so unterschiedlichen Werkgruppen wie Lichtraum Akademie (1975), Riehles Abschlussarbeit als Meisterschüler in der Bildhauerklasse Erwin Heerichs, Landwaage (1979), einer besonders eindrücklichen Übersetzung unbegrenzten Raums in der Fläche, oder seinem großen Projekt Rheinbrücken (1994-2002), das Brückenbauten von der Quelle des Rheins bis zu seiner Mündung in ihrer sich wandelnden Umgebung zeigt. Handschriftlich annotierte Arbeitsabzüge einer Fotoreihe zum Mies van der Rohe-Bau Haus Lange in Krefeld (1977) führen Riehles Weg der schöpferischen Präzision zur Bildfindung vor Augen.

Die Ausstellung wurde kuratiert von Katsuhito Nishikawa.

Tomas Riehle.Fotografie im Siza Pavillon Raketenstation Hombroich, Ausstellungsansicht, Foto: © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

Tomas Riehle.Fotografie im Siza Pavillon Raketenstation Hombroich, Kurator Katsuhito Nishikawa, Foto: © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

Da ist Fotografie drin: Siza Pavillon Raketenstation Hombroich © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

Als ich Tomas Riehle Mitte der neunziger Jahre kennen lernte, verband uns auch eine gemeinsame Leidenschaft für Formalästhetik in der Fotografie. Seine Bildmotive zeichnen sich aus durch einen fast überzogenen Anspruch an geometrische Präzision. Die Flächen und Formen, die sich in seinen Bildern abzeichnen, lassen das dreidimensionale Objekt fast in den Hintergrund geraten. Seine linienorientierte Bildauffassung von Architektur lässt die Arbeiten aussehen wie akkurate Designstudien.

Trotz meiner Vorkenntnis eines Großteils seiner Werke beschloss ich erst beim Besuch der Ausstellung das von mir so oft zitierte „Becher-Licht“ für schattenfreie Architekturaufnahmen zukünftig in „Riehle-Licht“ umzubenennen. Gerne denke ich – spätestens bei entsprechenden Lichtverhältnissen – an die wenigen aber um so intensiveren Begegnungen mit diesem herausragenden Fotografen. Und dabei macht mich sein zu früher Tod sehr traurig.

Tomas Riehle.Fotografie im Siza Pavillon Raketenstation Hombroich, v.l.n.r: Geschäftsführer Frank Boehm, Prof. Oliver Kruse, Vorsitzender der Stiftung und Kurator Katsuhito Nishikawa, Foto: © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

weitere Informationen finden Sie unter Museum Insel Hombroich und unter Tomas Riehle

Alle meine Motive zur Ausstellungspräsentation finden Sie in den SCHUBLADEN meines Archives unter PhotoAlbum BEGEGNUNGEN

Meinen Nachruf zum Tode von Tomas Riehle finden Sie unter Tomas Riehle – Nachruf

STOPOVER/ZWISCHENHALT

Masters Photography Studies

CD 643_14_web — UG im Folkwang – Außenansicht © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

Wieder einmal haben angehende Foto-KünstlerInnen die Möglichkeit eigene Arbeiten im musealen Umfeld zu erproben. In den Ausstellungsräumen im Untergeschoss des Museum Folkwang präsentieren vom 13. April bis 13. Mai 2018 sechs Masterstudierende aus dem dritten Semester ihre Arbeiten. Gezeigt werden Fotografien, Installationen, Projektionen, Buchkonzepte, Film- und Videobeiträge von

Inga Barnick
Matthias Brandl
Niklas Baumberger
Eric Greven
Malte Lambert
Francesca Magistro

Kurz vor Ausstellungseröffnung hatte ich Gelegenheit, einen Blick in die größzügigen Räume im UNTERGESCHOSS zu werfen, und ich konnte mich an vielen authentischen Fotografie-Motiven erfreuen.

weitere Informationen zu dieser Ausstellung finden Sie unter Folkwang Universität der Künste

RAUS AUF DIE STRASSE – MIT DER KAMERA

Das Bundesverfassungsgericht definiert die Straßenfotografie neu und erkennt sie als Kunstform an – das kommt gerade recht zum Frühlingsbeginn.

Die Verunsicherung der FotografInnen, die im öffentlichen Raum, also auf der Straße zum Beispiel, Personen auf ihren Fotos abbilden und diese Motive dann veröffentlichen wollen, ist ein Stück weit gewichen durch die Entscheidung des Bundesverfassungsgerichtes vom April 2018 – zumindest ein Stück weit. Es bleibt nämlich rechtlich eine schwammige Grauzone.

Dazu folgende Information/Stellungnahme aus einer Email von OSTKREUZ, Agentur der Fotografen:

Bundesverfassungsgericht erkennt Street Photography
als Kunstform an

Wir haben es immer schon geahnt, nun ist es höchstrichterlich geklärt: Die Straßenfotografie ist als eine vom Grundgesetz geschützte Kunstform anzusehen.

Das Bundesverfassungsgericht befasste sich auf Grund einer Verfassungsbeschwerde des Ostkreuz-Fotografen Espen Eichhöfer erstmals mit der rechtlichen Situation der Street Photography in Deutschland. Zwar nahm das Bundesverfassungsgericht die Verfassungsbeschwerde Eichhöfers aus dem Sommer 2015 nicht an, mit seiner Begründung des Nichtannahmebeschlusses (Az. 1 BvR 2112/15) wird die rechtliche Position der Street Photography in Deutschland gleichwohl gestärkt:

Zu Grunde lag der Verfassungsbeschwerde ein Beschluss des Kammergerichts, dass in der Ausstellung eines Fotos von Espen Eichhöfers eine Persönlichkeitsrechtsverletzung der auf dem Foto abgebildeten Person gesehen hat. Das Foto war für eine Ausstellung des renommierten Ausstellungshauses C/O Berlin aufgenommen worden. Es zeigt eine urbane Straßenszene, die unweit der C/O und dem Bahnhof Zoo aufgenommen worden war. Im Mittelpunkt des Bildes ist eine Frau in Bewegung zu sehen. Wer die Frau ist, woher sie kommt und wohin sie geht, erfährt der Betrachter allein anhand des Bildes nicht. Das Foto steht in der Tradition der Street Photography. Wie viele Vertreter dieser Kunstform hatte Eichhöfer nicht um die Einwilligung der auf dem Foto abgebildeten Personen gebeten. Denn in der Street Photography geht es um ungestellte Augenblicke. Dementsprechend haben auch andere große Namen der Street Photography, wie Henri Cartier-Bresson, Gary Winogrand, Walker Evans, Lisette Model, Gary Winogrand oder Helen Levitt die Abgebildeten nicht um ihre Einwilligung gebeten, als sie ihre heute teilweise weltberühmten Aufnahmen veröffentlichten, die mittlerweile in Museen hängen.

Die C/O Berlin stellte das Foto zusammen mit 164 anderen Fotoaufnahmen im Rahmen einer „Open-Air-Ausstellung“ aus. Da die Ausstellungsräume der C/O im Umbau und für Ausstellungen nicht nutzbar waren, erfolgte die Ausstellung auf dem Gelände vor dem Ausstellungshaus an einer stark befahrenen Straße. Das Foto von Espen Eichhöfer gehörte dabei zu den größten Exponaten (120x140cm).

Die auf dem Foto abgebildete Frau klagte gegen die C/O Berlin und Espen Eichhöfer. Sie verlangte eine sog. fiktive Lizenzgebühr, eine Geldentschädigung und die Erstattung ihrer Anwaltskosten für ihre Abmahnung auf Unterlassung. Die Berliner Gerichte entschieden in zwei Instanzen, dass der Klägerin keine Lizenzgebühr und auch keine Geldentschädigung zustünden. Gleichwohl entschieden die Gerichte, dass die C/O und Espen Eichhöfer der Klägerin die Anwaltskosten für ihre Geltendmachung des Unterlassungsanspruchs zu erstatten haben. Denn die Ausstellung des Fotos sei eine Persönlichkeitsrechtsverletzung und damit rechtswidrig gewesen. Hiergegen wandte sich Espen Eichhöfer mit einer im Sommer 2015 eingelegten Verfassungsbeschwerde und beriefen sich dabei u.a. auf die grundgesetzlich geschützte Kunstfreiheit (Art. 5 Abs. 3 GG).

Das Bundesverfassungsgericht hat daraufhin zwar nicht die Entscheidung des Kammergerichts aufgehoben, jedoch seinen Beschluss in einer Weise begründet, die zukünftig zum Schutz der Street Photography ins Feld geführt werden kann.

Wichtig ist zu aller erst, dass das Bundesverfassungsgericht das Foto von Espen Eichhöfer als Kunstwerk und die Straßenfotografie als Kunstform anerkannt hat, die in den Schutzbereich der Kunstfreiheit fällt. Das bedeutet u.a., dass bei der rechtlichen Abwägung zwischen der Kunstfreiheit und anderen Belangen, wie etwa dem Persönlichkeitsrecht, die „strukturtypischen Merkmale der Kunstform“ der Straßenfotografie zu berücksichtigen sind. Als „strukturtypisch“ für die Straßenfotografie sieht das Bundesverfassungsgericht „die ungestellte Abbildung ohne vorherige Einwilligung“ an. Hieraus folgt nach Ansicht von Sebastian Graalfs, der Espen Eichhöfer als Rechtsanwalt in dem Verfahren vertreten hat, „dass künstlerische Straßenfotografie nicht allein deshalb als rechtswidrig angesehen werden kann, weil keine Einwilligung der Abgebildeten vorliegt.“

Zudem stellte das Bundesverfassungsgericht in Bezug auf die Straßenfotografie fest, „dass es mit der Kunstfreiheit nicht zu vereinbaren wäre, ihren Wirkbereich auf Galerien, Museen oder ähnlich räumlich begrenzte Ausstellungsorte zu begrenzen“. Auch dies ist eine gute Nachricht.

Bei der „Art der Präsentation“ von Straßenfotografie ist gleichwohl Vorsicht geboten. Auch dies zeigt der Beschluss des Bundesverfassungsgerichts. Denn das Bundesverfassungsgericht führte darin aus, dass die von Espen Eichhöfer angegriffene Entscheidung des Kammergerichts nicht die Bedeutung und Tragweite der Kunstfreiheit verkannt habe, weil es „die Schwere der Beeinträchtigung des Persönlichkeitsrechts der Klägerin aus der Art der Präsentation des Bildes als großformatigem Blickfang an einer öffentlichen Straße hergeleitet“ und „die Präsentation auf einer großformatigen Stelltafel an einer der verkehrsreichsten Straßen einer Millionenstadt zum zentralen Punkt seiner Abwägung“ gemacht habe. Rechtsanwalt Sebastian Graalfs dazu: „Die Art der Präsentation in diesem Zusammenhang als maßgebliches Kriterium heranzuziehen, halte ich für kritikwürdig. Alle mir bekannten Entscheidungen des Bundesverfassungsgerichts zu dem Verhältnis der Kunstfreiheit und des Persönlichkeitsrecht haben für die rechtliche Beurteilung in erster Linie auf dessen Inhalt bzw. dessen Gehalt abgestellt, beispielsweise darauf, dass ein Kunstwerk ehrverletzend sei oder die Intimsphäre eines Betroffenen verletze. Dass sich die Rechtswidrigkeit der Ausstellung eines Kunstwerks jedoch maßgeblich aus dem Grad seiner Sichtbarkeit ergibt, halte ich für ein zu unbestimmtes und für mein Verständnis der Kunstfreiheit problematisches Kriterium. Denn Kunst lebt von ihrer Sichtbarkeit.“

Ich darf jetzt wohl nicht mehr mit einer Klage wegen Persönlichkeitsrechtsverletzung der abgebildeten Personen auf meinen Straßenbildern rechnen. Recht wärs!

Die Wunden meiner Stadt im Vorübergehen © k.enderlein FOTOGRAFIE

Warten im Waschsalon © k.enderlein FOTOGRAFIE

Art-Leser auf der ArtCologne Köln © k.enderlein FOTOGRAFIE

Lesen Sie außerdem den Artikel von Andrea Diener in der F.A.Z. – online unter: Eben noch auf der Straße, jetzt in der Kunstgalerie

AUS MEINEN SCHUBLADEN 04.2018

New York City 1982 © k.enderlein FOTOGRAFIE

Auf meiner ersten USA-Reise im Jahre 1982 war ich ausschließlich in New York City. Ein Freund und ich erfüllten uns damals einen Traum: Wir wollten den brausenden Melting Pot kultureller Vielfalt mit der Superaltive vertikaler Architektur life erleben. Aus zahlreichen Spielfilmen, Fernsehdokumentationen und Bildberichten schien uns diese Stadt längst vertraut. Akribisch bereiteten wir uns mit zahlreichen Reiseführern und den Marc O´Polo-Karten auf die einwöchige Reise vor. Sämtliche touristischen Highlights standen auf unserem Programm. Das New York Statler – vis á vis dem Madison Square Garden – bot uns eine Bettlad. Von dort aus eroberten wir fünf Tage lang die Stadt, die damals schon nicht in den Schlaf kam.

Die Hochhäuser warfen ihre Schatten in die Schluchten der streng geometrisch verlaufenden Straßen. Der Wechsel aus Licht und Schatten war grafisch hart und zauberte begrenzte Lichtflächen in eine dadurch surreale Szenerie. So wirkten die rollenden Imbissstände auf den Straßen wie Requisiten einer Bühnenkulisse. Die unvoreingenommen und lässig wirkenden Menschen, die immer präsenten Werbetafeln und -träger, die Wolkenkratzer aus Glas und Stein und nicht zuletzt die melodisch und dennoch bedrohlich röhrenden Sirenen der Feuerwehr machten uns ebenfalls schlaflos auf unserem Besuch in dieser Megacity. Das alles machte diese Stadt weltweit einmalig, lange vor der Zeit der Bürotürme in den heutigen Metropolen Chinas oder der Arabischen Halbinsel.

Da konnte ich als visuell trainierter Fotograf meine Kamera nicht still halten. Dieses Leben wollte, ja mußte ich mit nach Hause nehmen – zumindest ein Stück davon. Nicht nur als Erinnerung, sondern auch als Beweis für alle, die nicht glaubten, welche Faszination und Lebendigkeit diese Stadt auf Bewohner und Besucher übertrug. So arbeitete ich Hunderte von Fotomotiven auf über dreißig s/w Kodak T-MAX-Filme und auf drei (!) Color-Diafilme. Color war eben teuer, außerdem konnte ich ohne Fremdhilfe einer Laborantin/eines Fachlabors Color-Bilder nicht selbst vergrößern. Deshalb entstanden nur wenige Farb-Motive auf meiner ersten Reise nach New York City.

Als ich in den folgenden Jahren die Bilder großer Kollegen wie Lee Friedlander, Garry Winogrand, Walker Evans, William Eggleston, Joel Sternfeld, Stephen Shore und Joel Meyerowitz kennen und schätzen lernte, verstand ich die elektrisierende Wirkung, die der Trubel auf den Straßen von New York City auch auf mich auslösen konnte. Nicht ganz zufällig führte das zu vielen ähnlichen Motiven, ohne die Bilder der amerikanischen Straßenfotografen zuvor bewusst wahr genommen zu haben. Ich habe diese Erfahrung aktuell in meiner Bild-Präsentation mit dem Thema „WALKER EVANS and ME“ zusammen gefasst.

New York City 1982 © k.enderlein FOTOGRAFIE

CASPAR DAVID FRIEDRICH UND DIE IMBISSBUDE

Unter diesem Titel gratulierte am 6. März 2018 Freddy Langer, Reiseredakteur der Frankfurter Allgemeinen Zeitung, mit einer Story Joel Meyerowitz zu dessen 80. Geburtstag.

Seinen schönen F.A.Z.-Online-Artikel finden Sie hier

New York 1963 © Joel Meyerowitz

New York 1976 © Joel Meyerowitz

New York 1967 © Joel Meyerowitz

New York 1975 © Joel Meyerowitz

Alle meine Bilder zum Thema Walker Evans and Me finden Sie in den SCHUBLADEN meines Archives unter dem Link WALKER EVANS and ME 1972-2012

oder blättern Sie in meinem Bildbericht zu diesem Thema WALKER EVANS and ME

DIE FASZINATION DER MEERE

Seit Jahrhunderten fühlen sich Künstler zu den Meeren hingezogen. Die Faszination der Landschaft, in der Wasser und Land aufeinander treffen, motiviert kreative Kunstschaffende immer wieder aufs neue. Hundert Jahre, bevor ich das Licht der Welt erblickte, begab sich Gustave Le Gray, Maler und Fotograf, (1820-1884) auf eine Reise in die Normandie. Hier entstanden im Jahre 1857 fotografische Seestücke, die man als die ersten dieser Art in der Geschichte der Fotografie bezeichnen kann.

„Die große Welle, Sète“, um 1857, Gustave Le Gray (1820-1884), – Albumindruck von zwei Kollodium-Nassplatten-Negativen © Victoria and Albert Museum, London, Townshend Nachlass, 68004

mein erstes SEESTÜCK, Sylt im Sommer 1972

Die Nordsee vor Sylt, Sommer 1972, © k.enderlein FOTOGRAFIE

Der Ärmelkanal bei Eastbourne, GB, November 2017 © k.enderlein FOTOGRAFIE

Die Technik des Albuminverfahrens hatte mittlerweile die spiegelnden Daguerreotypien ersetzt. Man war somit in der Lage, reproduzierbare Papierfotografien herzustellen. Und so eroberte die noch junge Gattung Fotografie den öffentlichen Raum. Und Fotografen wie Le Gray experimentierten mit dem neuen Medium. Nicht zufällig entstanden zahlreiche seiner Landschaftsaufnahmen an den Küsten Frankreichs. Duch die kurzen Belichtungszeiten war es ihm möglich, die Wellen des Meeres in einer Momentaufnahme „einzufrieren“. Bislang hatte es es nur Fotografien mit geglättetem Wasser und verwischten Wolkenhimmeln gegeben. Le Gray schuf mit seinen Motiven geradezu wissenschaftliche Studien über die Wolkengebirge am Himmel. Die technische Schwierigkeit, den starken Helligkeitskontrast zwischen Himmel und Wasser auf einem Bild zu überbrücken, schafft er durch unterschiedlich lang belichtete Aufnahmen, die er später aus zumindest zwei Negativen zusammenfügte. So war er nicht nur vielen Fotografen, sondern auch den Photoshop-Artisten unserer Zeit weit voraus.

St.-Gilles-Croix-de-Vie #1, 01.2017, © k.enderlein FOTOGRAFIE

Ob in hübschen Badeorten oder in der Nähe der Industrieanlagen, alle meernahen Bauten des Tourismus oder der Wirtschaft zeichnen sich vor der Weite des Meeres besonders deutlich ab. Boulevards zum Flanieren am Strand oder künstlich geschaffene Orientierungshilfen, wie Leuchttürme oder Baken, alles strandtypische Merkmale, wirken dennoch häufig deplaziert. Dort wo natürliche Urgewalt in Form endlos scheinender Wassermassen und Spuren menschlicher Zivilisation aufeinander treffen, entsteht eine ganz besondere Landschaft: eine Art Zwischenraum an der Nahtstelle von Wasser und Land.

Bei meinen SEESTUECKEN bewege ich mich mit der Kamera in diesem Zwischenraum. Ich möchte aber kein Mahner sein, der sozialkritisch den Zeigefinger hebt. Die Betonburgen und -pisten an den Badestränden dieser Welt sind nicht mein Kernthema.
Ich stelle der Bild teilenden Horizontalen immer wieder vertikale Formen entgegen, um so auf die Nähe der Menschen zum Wasser aufmerksam zu machen. Trotz menschenleerer Szenarien sind die Spuren, die Menschen an dieser Nahtstelle hinterlassen, in meinen fotografischen Inszenierungen vordergründig und unübersehbar.
Ich möchte behutsam auf die Tatsache aufmerksam machen, dass der Mensch seine Melancholie verliert, wenn er das Meer für seine Zwecke auf irgendeine Weise zu nutzen versucht. Bis in die zwanziger Jahre des 20. Jahrhunderts wurden die Küstenstreifen vom Geist einiger Künstler und der Menschen beseelt – heute vom Geld. Und die Menschen denken dabei an Seebäder mit Sportfreizeiten jeglicher Art, an Industrie-Häfen für den Welthandel, an Anlegeplätze für Kreuzfahrt-Riesen oder an unbezahlbare Grundstücke, auf denen die Superreichen ihre Häuser bauen. Wie schön kann es sein, einfach mal auf einem Strandspaziergang den salzigen Wind auf der Haut zu spüren. Und das trotz einer trüben Ahnung, dass die Strände, an denen wir heute leben, in nicht allzu langer Zukunft vom Meer wieder überspült sein werden.

Wijk aan Zee #3, 04.2017, © k.enderlein FOTOGRAFIE

Ein Originalabzug des Seestücks „Grande vague – Cette [Sète], ca. 1857, 34,3 x 41,9 cm, von Gustave Le Gray ist noch bis zum 15. Juli 2018 im Museum Kunstpalast Düsseldorf anl. der Ausstellung BLACK&WHITE ausgestellt. Museum Kunstpalast Düsseldorf

Eine Auswahl meiner SEESTUECKE finden Sie hier WERKGRUPPE SEESTUECKE

Alle meine SEESTUECKE finden Sie in den SCHUBLADEN meines Archives unter PhotoAlbum SEESTUECKE

VORSCHAU – FACING INDIA

Das KUNSTMUSEUM WOLFSBURG zeigt ab dem 29. April 2018 die Werke indischer zeitgenössischer Künstlerinnen.

Prajakta Potnis, CAPSULE I, 2012, C-print on archival cotton rag paper, 96,5 x 152 cm, Courtesy of the artist

Wie nutzen indische Künstlerinnen heute ihre Stimme? Wie gehen sie mit ihrer sozialen Verantwortung um? Welche Sprache finden sie für das Unausgesprochene? Erstmals in Deutschland zeigt das Kunstmuseum Wolfsburg eine Ausstellung mit sechs Künstlerinnen aus Indien. Mit wenigen Ausnahmen wie dem Bundesstaat Kerala im Süden des Landes ist die indische Gesellschaft vom Patriarchat geprägt. Die Annahme, dass Frauen weniger wert seien als Männer, ist tief in ihrer Mentalität verankert. „Facing India“ geht der Frage nach, wie sich die eigene Landesgeschichte, Gegenwart und Zukunft aus weiblichem Blickwinkel darstellt.

Vibha Galhotra, NEGOTIATED NECESSITIES, 2008, Digital Print on Archival Paper, 61 x 182,9 cm, Courtesy of the artist

Mithu Sen, BORDER UNSEEN (DETAIL), 2014, Installation, false teeth and dental polymer, 25 m, Eli and Edythe Broad Art Museum, USA

Reena Saini Kallat, WOVEN CHRONICLE, 2011/2016, Circuit boards, speakers, electric wires and fittings, sitespecific installation, single channel audio, 10:00 min, 322 x 1447 x 30 cm, Courtesy of the artist, Foto: Reena Kallat Studio

TS-2012-Between-the-Waves-animation-1-300dpi

Tejal Shah, BETWEEN THE WAVES – ANIMATION, (CHANNEL III), 2012, HD-Video, color and b/w, surround sound, 01:30 min, Courtesy the artist and Barbara Gross Galerie, Munich

Portrait-Manju-2013-Sari-resin-cement-152-x-63-x-56-cm-Courtesy-the-artist

Bharti Kher, PORTRAIT MANJU, 2013, Saris, resin, cement, 152 x 63 x 56 cm, Courtesy of the artist

Bharti Kher, SIX WOMEN, 2013 – 2016 Plaster, wood, resin, In 6 parts, each ca. 123 x 61 x 95,5 cm, Courtesy the artist and Hauser & Wirth, photo: Document Photography

Reena Saini Kallat, CREASE / CRECVICE / CONTOUR (DETAIL), 2008, Pigment print on Hahnemuhle Museum etching archival paper, set of 10 prints each 101 x 127 cm, Courtesy of the artist, Foto: Iris Dreams

DIE AUSSTELLUNG
Eine 14 Meter lange Weltkarte aus stacheldrahtähnlichen Elektrokabeln, ein begehbarer Raum aus bedrückend schwarzen Glasziegeln, eine Fotografie von einem Kühlschrank, in dem Rollteppen ins Nichts führen, eine bizarre Skulptur mit Zähnen, ein Film, in dem ein weißes Tuch wie ein wildes Tier in einem Fluss gebändigt wird: Vibha Galhotra (*1978), Bharti Kher (*1969), Prajakta Potnis (*1980), Reena Saini Kallat (*1973), Mithu Sen (*1971) und Tejal Shah (*1979) nutzen ihre multimedialen Werke als Orte der gesellschaftlichen Reflexion und lenken die Aufmerksamkeit auf historische und aktuelle Grenzkonflikte. Poetisch, metaphorisch und leise, aber auch radikal, direkt und laut hinterfragen sie Grenzen in jeglicher Hinsicht – seien es politische, territoriale, ökologische, religiöse, soziale, persönliche oder Geschlechtergrenzen. Die Geschichte dieser Grenzen, ihre Sichtbarkeit oder Unsichtbarkeit, ihre Legitimität und nicht selten ihre Auflösung sind das verbindende Thema der in „Facing India“ gezeigten Werke.

Die Ausstellung konzentriert sich auf sechs Positionen, um diese umso eingehender vorzustellen. In einer zunehmend globalisierten Welt sozialisiert und ausgebildet, beschränken sich die Künstlerinnen in ihren „Grenzkontrollen“ nicht mehr allein auf Indien, sondern greifen auf andere Länder und Kontinente aus. Staat, Gesellschaft und Individuum, Identitäts- sowie Umweltfragen werden kritisch unter die Lupe genommen. Doch wie breit ihr Themenspektrum auch sein mag, explizite und implizite Verweise auf die Präsenz des Weiblichen und die Stellung der Frau sowie Solidarität und Empathie ziehen sich wie ein roter Faden durch die Ausstellung.

„Facing India“ ist im fortwährenden Dialog mit den Künstlerinnen entstanden und spiegelt eine Art kollektives Plädoyer für Kommunikation und die Einheit in der Vielfalt jenseits von Schubladen- und Kastendenken. Die Ausstellungsarchitektur nimmt diesen Gedanken auf. Die Künstlerinnen bespielen sechs separate Ausstellungsbereiche, die in klarem Sichtbezug zueinander arrangiert sind. Im Zentrum der Ausstellung befindet sich ein offenes Kommunikationsforum, das dem Besucher den Blick in alle Richtungen ermöglicht – im wörtlichen wie im übertragenen Sinne.

DER KATALOG
Der Katalog, herausgegeben von Ralf Beil und Uta Ruhkamp in deutscher und englischer Ausgabe, mit einem Vorwort von Ralf Beil und einer Einführung von Uta Ruhkamp, Essays von Urvashi Butalia, Leiterin des feministischen Verlages Zubaan, und Roobina Karode, Direktorin des Kiran Nadar Museum of Art in Neu-Delhi und Noida, sowie ausführlichen Interviews mit allen Künstlerinnen von Uta Ruhkamp. Hatje Cantz Verlag, 240 Seiten mit 180 Abbildungen, 24 x 31 cm, Hardcover, 38 € im Museumshop.

Text: © Presse Kunstmuseum Wolfsburg

weitere Informationen finden Sie unter Kunstmuseum Wolfsburg

Black&White – Von Dürer bis Eliasson

Museum Kunstpalast Düsseldorf, Black+White – Von Dürer bis Eliasson, Generaldirektor Felix Krämer, links, und Hans Op de Beeck in dessen skulpturaler Installation „The Collector´s House“, Foto: © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

Im Museum Kunstpalast in Düsseldorf widmet sich die Ausstellung Black & White dem facettenreichen Thema der Schwarz-Weiß-Kunst. Noch bis zum 15. juli 2018 können BesucherInnen Werke von Andrea Mantegna, Peter Paul Rubens, Rembrandt van Rijn, Pablo Picasso, Jackson Pollok, Bridget Riley, Gerhard Richter, Otto Piene, Heinz Mack, Günther Uecker und vielen anderen Kunstschaffenden bewundern. Die in neun Kapitel unterteilte Ausstellung gibt einen faszinierenden Eindruck in eine Welt ohne Farbe: Sakrale Monochromie – Studien von Licht und Schatten – Wettstreit der Künste I: Malerei und Bildhauerei – Wettstreit der Künste II: Malerei und Druckgrafik – Fotografie in Schwarz-Weiß – Gemälde in Grisaille – Schwarz-Weiß-Malerei im Zeitalter von Fotografie und Film – Abstraktion in Schwarz-Weiß – Jenseits der Malerei.

Museum Kunstpalast Düsseldorf, Black+White – Von Dürer bis Eliasson, Kuratorin Lelia Packer, 2.v.r., im Hintergrund links: Generaldirektor Museum Kunstpalast Felix Krämer, Foto: © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

Museum Kunstpalast Düsseldorf, Black+White – Von Dürer bis Eliasson, v.l.n.r.: der Eingang zu „The Collector´s House“ von Hans Op de Beeck, Ölgemälde von Roman Opalka und der Eingang zu Ólafur Elíassons „Raum für eine Farbe“, Foto: © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

Museum Kunstpalast Düsseldorf, Black+White – Von Dürer bis Eliasson, „Die große Welle, Sète“ Albumindruck von zwei Kollodium-Nassplatten-Negativen von Gustave Le Gray aus dem Jahre 1856, links, Foto: © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

Museum Kunstpalast Düsseldorf, Black+White - Von Dürer bis Eliasson, Foto: © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

Museum Kunstpalast Düsseldorf, Black+White - Von Dürer bis Eliasson, Die beiden Kuratorinnen Lelia Packer, ganz links, und Jennifer Sliwka, ganz rechts, Foto: © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

Museum Kunstpalast Düsseldorf, Black+White - Von Dürer bis Eliasson, Eingang zu Ólafur Elíassons "Raum für eine Farbe", Foto: © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

Museum Kunstpalast Düsseldorf, Black+White - Von Dürer bis Eliasson, Besucherin zwischen Robert Mapplethorpes Akt, links, und Jan Paul Evers´ Balkonen, Foto: © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

Museum Kunstpalast Düsseldorf, Black+White - Von Dürer bis Eliasson, BesucherInnen in der skulpturalen Installation "The Collector´s House" von Hans Op de Beeck, Foto: © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

Museum Kunstpalast Düsseldorf, Black+White - Von Dürer bis Eliasson, Besucherin vor "Joel" von Chuck Close, links als s/w-Polaroid und rechts aus Öl auf Leinwand, Foto: © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

Museum Kunstpalast Düsseldorf, Black+White - Von Dürer bis Eliasson, Besucherin 1x vor und 2x in Gerhard Richters, "Speigel, Grau-765" aus dem Jahre 1992, Foto: © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

Museum Kunstpalast Düsseldorf, Black+White – Von Dürer bis Eliasson, BesucherInnen in der skulpturalen Installation „The Collector´s House“ von Hans Op de Beeck, ganz rechts im Bild, Foto: © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

Museum Kunstpalast Düsseldorf, Black+White - Von Dürer bis Eliasson, BesucherInnen in einem Saal mit Werken aus dem 18. Jahrhundert, Foto: © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

Museum Kunstpalast Düsseldorf, Black+White - Von Dürer bis Eliasson, "Ein Streifen in Architektur II" von Atit Sornsongkram, Inkjet-Print von 2016, Foto: © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

Museum Kunstpalast Düsseldorf, Black+White - Von Dürer bis Eliasson, Ralph Goertz, Leiter des Instituts für Kunstdokumentation und Szenografie, Foto: © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

Museum Kunstpalast Düsseldorf, Black+White – Von Dürer bis Eliasson, Hans Op de Beeck, links, und Lelia Packer in der skulpturalen Installation des Künstlers „The Collector´s House“, Foto: © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE

Das Spektrum der Ausstellung reicht von christlicher Kunst, in der Farbe aus liturgischen Gründen verboten war, bis zu Gemälden, die in Wettstreit mit anderen Gattungen, Skulptur, Druckgrafik und Film treten.

Neben allen Werken finden auch die ausschließlichen Fotografie-Liebhaber zahlreiche Exponate dieses Mediums aus der Mitte des 19. Jahrhunderts bis hin zu zeitgenössischen s/w-Vergrößerungen unserer Zeit in den Hallen des Museums.

Die Erfindung der Fotografie in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts führte keineswegs zum Ende der Malerei. Die beiden Gattungen beeinflussten sich gegenseitig und der Blick für Formen und Farben änderte sich. Während für Maler die Abbildhaftigkeit des Dargestellten in den Hintergrund trat, komponierten die ersten Fotografen ihre Werke wie Gemälde und bemühten sich, buntfarbige Tönungen zu erzielen, um die Abzüge aufzuwerten.

Schon vor dem Siegeszug des Farbfotos im 20. Jahrhundert setzten FotografInnen somit Schwarz und Weiß, Hell und Dunkel als künstlerische Mittel ein. Bis heute nutzen sie die optischen, oft flächigen Schwarz-Weiß-Effekte und experimentieren mit analogen fotografischen Verfahren. Ob in traditionellen Gattungen wie Portrait und Landschaft oder in abstrakten Bildwelten – immer wieder gelingt es KünstlerInnen, die Schwarz-Weiß-Ästhetik der Fotografie um neue Dimensionen zu erweitern.

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weitere Informationen unter Museum Kunstpalast Düsseldorf

Alle meine Fotos der Ausstellungsvorbesichtigung finden Sie in den SCHUBLADEN meines Archives unter PhotoAlbum BEGEGNUNGEN

Architektur und Landschaft in RAUMSECHS

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Olaf Pilz zeigt in seinem temporären Ausstellungsraum RAUMSECHS in Düsseldorf-Unterbilk Malerei und Fotografie mit den Schwerpunkten Architektur und Landschaft.

Olaf Pilz zeigt in seinem temporären Ausstellungsraum RAUMSECHS Architektur und Landschaft, Foto: © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE, Olaf Pilz bei der Ausstellungseröffnung

Olaf Pilz zeigt in seinem temporären Ausstellungsraum RAUMSECHS Architektur und Landschaft, Foto: © 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE, mit Arbeiten von Anett Frontzek, Ruth Hommelsheim, Oster+Koezle, Evelina Velkaite und Sabine Wild

weitere Informationen zu RAUMSECHS und zu den ausstellenden KünstlerInnen finden Sie unter RAUMSECHS

NIEDERRHEINMUSEUM WESEL eröffnet mit Sonderschau

Nach freundlicher Übernahme durch den Landschaftsverband Rheinland des ehemaligen Preußenmuseums NRW in Wesel im Jahre 2013 eröffnet das renovierte Haus jetzt unter neuem Namen und mit einer Sonderschau:

LVR-Niederheinmuseum Wesel – Wesel und die NiederRheinlande

18.03. bis 14.10.2018

CD 636_03_web Eine Attraktion der geschichts-/ und geschichtenträchtigen Ausstellung ist ein lebensgroßes Panorama des Großen Marktes zu Wesel aus dem 16. Jahrhundert. BesucherInnen sind eingeladen, sich auf dem „Markt“ zu fotografieren. So ensteht ein Bild, was den Eindruck hinterlässt, man ist um fünf Jahrhunderte in die damalige Großstadt am Niederrhein zurück versetzt. Tatsächlich war Wesel im Jahre 1532 mit 8500 Einwohnern nach Köln mit seinen 40.000 Einwohnern die größte Stadt am Niederrhein.

Fast sechzig Weseler BürgerInnen hatten sich für das Großfoto zur Verfügung gestellt. In historischen Kostümen wurden im Vorfeld verschiedene Szenen einzeln fotografiert und später am Rechner freigestellt und in das Panorama „eingebaut“. So schlüpften die DarstellerInnen in die Rollen der Protagonisten des 16. Jahrhunderts, deren Geschichten auf dem Panorama nachgezeichnet werden. Die Fassaden der historischen Gebäude wurden aufwendigst zum Teil nach Original-Plänen mit Spezial-Software, wie sie auch Architekten nutzen, animiert. So gibt es zum Beispiel noch Unterlagen zu den Farbnuancen der Gebäude-Fassaden, die dann am Rechner coloriert wurden. Ausgerollt beträgt das Panorama eine Breite von etwa dreizehn Metern. Durch den perspektivischen Ausgleich des Gesamtmotives entsteht ein sehr realistischer Eindruck, wenn man in der Mitte der fast geschlossenen Rotunde steht.

Die Niederrheinlande: Raum, Herrschaft, Kultur

Die Ausstellung verknüpft die Geschichte der Stadt Wesel in Mittelalter und Früher Neuzeit bis in das 19. Jahrhundert mit den übergreifenden Entwicklungen des Niederrheins und der alten Niederlande, zu denen auch Flandern und Brabant zählten. Entlang bedeutender Objekte wird von Biografien und Ereignissen erzählt, die die Konturen eines großen grenzüberschreitenden Kultur- und Wirtschaftsraums aufscheinen lassen. Spätgotische Kunstzentren, vor allem in der reichen Hansestadt Wesel, aber auch in Kalkar und Kleve, führen zu einer beeindruckenden kulturellen Dichte. Wie in einem Brennglas sind viele diese Verbindungen bereits in dem Eingangsbild: dem Panorama des Weseler Großen Marktes im 16. Jahrhundert verdichtet.
Für die konkurrierenden, aber auch verflochtenen Dynastien der Herzogtümer Kleve und Geldern, ist Burgund Gegenspieler und Allianzpartner, aber in jedem Fall das große Vorbild.

Die moderne Architektur des Museums im Umfeld historischer Gebäude der Weseler Zitadelle, die wirklich attraktive Austellung auf über 2000 Quadratmetern, die nicht nur Historiker und Wissenschaftler begeistert und die moderaten Eintrittspreise lassen keine Ausrede für einen Besuch der Ausstellung zu. Letztlich bietet das Panorama eine vergnügliche Posingzone für eigene Fotos und Selfies.

Ab Dienstag, 20. März (montags ist das Haus geschlossen) ist die Ausstellung für alle bis zum 14. Oktober 2018 geöffnet. ke

weitere Informationen finden Sie unter LVR-Niederrheinmuseum Wesel

Alle Fotos der Ausstellungspräsentation finden Sie in den SCHUBLADEN meines Archives unter PhotoAlbum BEGEGNUNGEN

AUS MEINEN SCHUBLADEN 03.2018

Immer, wenn ich in meinem Archiv nach Motiven suche, falle ich über Bilder, zu denen ich ein besonderes Verhältnis habe. Sei es aus Gründen formalästhetischer Besonderheiten, oder besonderer Erinnerungen, oder aus beiden Gründen. Auf jeden Fall möchte ich bestimmte Bilder öffentlich machen und meinen LeserInnen nicht vorenthalten. So starte ich heute die Serie AUS MEINEN SCHUBLADEN mit Bildern aus meinem Bildarchiv. Heute beginne ich mit einer Montage für Eisenbahn-Freunde und einem Automotiv, auf dem das Runde das Eckige trifft, alle Fotografien stammen aus dem Jahr 1978. In jedem Fall sind alle Motive auch für Fotografie-Liebhaber gedacht. ke

DAS REMBRANDT-EXPERIMENT

Das Museum Kunstpalast in Düsseldorf präsentiert in Kooperation mit der Kunstakademie Düsseldorf die Arbeiten sechs Studierender, die in einen epochen- und gattungsübergreifenden Dialog mit Rembrandts Kunst getreten sind. Die Ausstellung ist noch bis zum 24. Juni 2018 im Sammlungsflügel des Kulturzentrum Ehrenhof zu sehen.

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Nils-Simon Fischer (*1990) vor seiner Arbeit zwischen Rembrandts „Christus am Kreuz zwischen den beiden Dieben, Die Drei Kreuze, 1653“ (links) und „Der hl. Hieronymus in einer Dunklen Kammer, 1642“. Die linke Radierung markiert in den 1650er-Jahren einen Höhepunkt im grafischen Schaffen Rembrandts. Dabei entwickelte und schärfte der Künstler seine Bildidee von Plattenzustand zu Plattenzustand. Mit seinen tief in den Radiergrund eingegrabenen Schraffen zeigt er uns im vorliegenden IV. Zustand ein Werk von bedrückender Düsternis. Nils-Simon Fischer abstrahiert die dramatische Komposition des Niederländers und fokussiert sich auf die geometrischen Formen.

Bis zum Ausstellungsbeginn blieb der Inhalt der in Kooperation mit der Kunstakademie

Düsseldorf entwickelten Ausstellung „Das Rembrandt-Experiment“ für alle Beteiligten ungewiss. Zu Beginn des „Experiments“ stand die Einladung an die Studierenden der Kunstakademie Düsseldorf, sich mit 100 ausgewählten Radierungen Rembrandt van Rijns (1606–1669) auseinanderzusetzen und zu eigener künstlerischer Arbeit inspirieren zu lassen. Ziel war die gemeinsame Ausstellung mit einem der größten Künstl

er der Geschichte.

Neben seinen Gemälden genießen auch Rembrandts Radierungen höchste Wertschätzung. Die für die Ausstellung ausgewählten Radierungen Rembrandts zeigen Porträts, Landschaften und religiöse Themen. Sie gehören zu der vom Gründungsdirektor der Kunstakademie, Lambert Krahe (1712–1790), zur Förderung des künstlerischen Nachwuchses aufgebauten, im Museum Kunstpalast wissenschaftlich betreuten Lehrsammlung. Das in dieser historischen Sammlung enthaltene grafische Konvolut von Rembrandt enthält etwa 250 Blätter.

„Ich habe der Ausstellung mit großer Spannung entgegen geschaut, nicht wissend, ob dieses Experiment gelingt!“ betont Felix Krämer, Generaldirektor Museum Kunstpalast. „Dass die im 18. Jahrhundert für die Lehrsammlung der Akademie erworbenen Blätter Rembrandts nun wieder als Inspirationsquelle für junge Künstler dienen, zeigt das große Potential, das eine historische Sammlung auch für die Kunst der Gegenwart haben kann.“

Insgesamt nahmen 48 Studierende aus unterschiedlichen Klassen der Kunstakademie Düsseldorf die Herausforderung an und bewarben sich mit ihren von Rembrandt beeinflussten Werken für die gemeinsame Ausstellung mit dem niederländischen Altmeister. Eine fünfköpfige Jury – besetzt mit Stefan Kürten und Gregor Schneider, beide Professoren der Kunstakademie Düsseldorf, Michael Kortländer, Ausstellungsleiter von DIE GROSSE Kunstausstellung NRW, sowie Felix Krämer, Generaldirektor Museum Kunstpalast, und Sonja Brink, wissenschaftliche Mitarbeiterin der Graphischen Sammlung, Museum Kunstpalast – hat die Arbeiten von sechs Studierenden für die Ausstellung ausgewählt.

© 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE, Prof. Karl-Heinz Petzinka, Rektor der Kunstakademie Düsseldorf, neben Takeshi Kitajima (*1984)/Klasse Herbert Brandl, 3. Semester

© 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE, Sonja Brink (rechts), Kuratorin des Rembrandt-Ausstellungsteils, im Gespräch mit Prof. Karl-Heinz Petzinka, Rektor der Kunstakademie Düsseldorf

© 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE, Vorstellung der Ausstellung DAS REMBRANDT-EXPERIMENT am 08.03.2018 im Museum Kunstpalast

© 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE, Felix Krämer (4. von links), Generaldirektor Museum Kunstpalast bei der Vorstellung der Ausstellung am 08.03.2018

© 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE, Nils-Simon Fischer vor seiner Arbeit zwischen Rembrandts „Christus am Kreuz zwischen den beiden Dieben, Die Drei Kreuze, 1653“ (links) und „Der hl. Hieronymus in einer Dunklen Kammer, 1642“

© 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE, Sonja Brink, Kuratorin des Rembrandt-Ausstellungsteils und wissenschaftliche Mitarbeiterin der Graphischen Sammlung im Museum Kunstpalast

© 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE, Lukas Köver (*1988)/Klasse Stefan Kürten, 5. Semester, Handyradierung, 2018, Radierung auf Handydisplay, Laserdruck

© 2018 k.enderlein FOTOGRAFIE, Nils-Simon Fischer (*1990)/Klasse Gregor Schneider, 5. Semester

Nils-Simon Fischer (*1990), Takeshi Kitajima (*1984), Lisa Klinger (*1988), Lukas Köver (*1988), Paul Schwaderer (*1984) und Denise Werth (*1988) stellen ihre Arbeiten in den epochen- und gattungsübergreifenden Dialog mit Rembrandts Kunst. Die Studierenden haben in verschiedenen Techniken gearbeitet: Schrift auf Leinwand, Bleistift oder Tusche auf Papier, Drucke von auf Handy-Displays geritzten Porträts, Inkjetprints und Video, aber auch eine Arbeit aus MDF und geformtem Plexiglas thematisieren ähnlich wie die Radierungen Rembrandts das menschliche Antlitz, Landschaftsmotive oder religiöse Themen.

Prof. Karl-Heinz Petzinka, Rektor der Kunstakademie, war von der Idee dieses Experiments von Beginn an begeistert. „Die vom Museum Kunstpalast gebotene Einladung, die in der gemeinsamen Werkschau der ausgewählten Studierenden mit dem alten Meister gipfelt, ist nicht nur eine besondere Herausforderung. Sie setzt sicherlich für die Teilnehmer eine besondere Marke für deren weitere künstlerischen Entwicklung.“

Für Sonja Brink, wissenschaftliche Mitarbeiterin der Graphischen Sammlung im Museum Kunstpalast und zuständige Kuratorin des Rembrandt-Ausstellungsteils, ist die mit zeitgenössischen künstlerischen Positionen erweiterte Präsentation ein gelungener Brückenschlag in die Vergangenheit. Als ein Ergebnis ihrer systematischen Grundlagenarbeit kann Sonja Brink auf ein Werk Rembrandts aufmerksam machen, das die Bedeutung der von ihr betreuten Radierungen des niederländischen Meisters auch aus kunsthistorischer Sicht belegt. „Ich freue mich sehr“, teilt die Wissenschaftlerin mit, „auf ein Blatt mit dem Porträt eines Mannes hinweisen zu können, das auf Pergament gedruckt weltweit nur in der Düsseldorfer Sammlung zu finden ist.“

Seit Jahrhunderten lassen sich KünstlerInnen von Arbeiten ihrer großen Vorbilder inspirieren. Mit dem REMBRANDT-EXPERIMENT sind die Ausstellungsmacher und Studierenden aber noch einen Schritt weiter gegangen: Der Meister Rembrandt van Rijn, einer der bedeutendsten und bekanntesten niederländischen Künstler des Barocks, war für die jungen Studierenden nicht nur Inspiration, sondern auch Objekt analytischer Betrachtung seiner Werke. So arbeiteten die StudentInnen nicht nur nach einzelnen Werken des Meisters, sondern auch in Anlehnung an seinen künstlerischen Anspruch besonderer Darstellungsvarianten. Text: Museum Kunstpalast + ke

Alle Fotos der Ausstellungspräsentation finden Sie in den Schubladen meines Archives unter: PhotoAlbum BEGEGNUNGEN

weitere Informationen unter Museum Kunstpalast

ROBERT LEBECK. 1968

Das KUNSTMUSEUM WOLFSBURG zeigt Fotografien des deutschen Fotojournalisten Robert Lebeck (*1929 – †2014) aus dem Jahr 1968.

Ich durfte die Ausstellung im Vorfeld der Eröffnung besichtigen. Noch bis zum 22. Juli 2018 können Besucher auf 900 Quadratmetern 110 Fine-Art-Prints aus dem Archiv des Fotografen bestaunen. Seine Witwe Cordula Lebeck verwaltet das umfangreiche Achiv Robert Lebeck und stellte mit dem Direktor des Kunstmuseum Wolfsburg, Dr. Ralf Beil, und Dr. Alexander Kraus , vom IZS (Institut für Zeitgeschichte und Stadtpräsentation, Stadt Wolfsburg), eine beeindruckende und umfangreiche Präsentation zusammen. Über achtzig der Fotomotive sind bislang unveröffentlicht und werden erstmals in einer Ausstellung gezeigt.

Motiviert durch die Zeigung der Kontakatabzüge verschiedener Reportage-Serien in der Ausstellung habe ich den Beitrag dieses Blogs ebenfalls in Anlehnung an die analogen Zeiten eines Bildbericht-Erstatters angelegt. Schließlich erinnere ich mich selber noch all zu gut an die Dunkelkammerarbeit und die anschließende Bereitstellung der Bildmotive auf Foto-Papier für die Redaktionen.

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Nach der Auswahl der Motive wurde ein Probeabzug mit Hinweisen für die Redaktion gemacht.

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Der könnte dann so (Bild oben, mit den Protagonisten der Ausstellung) ausgesehen haben. Bildunterzeile im Klartext: v.l.n.r.: Dr. Alexander Kraus (IZS, Institut für Zeitgeschichte und Stadtpräsentation, Stadt Wolfsburg), Cordula Lebeck (Archiv Robert Lebeck), Anita Placenti-Grau (IZS) und Dr. Ralf Beil (Direktor des Kunstmuseums Wolfsburg). Ups, auf einmal in Color? Ganz ehrlich? Selbstverständlich alles digital gebaut. Aber diejenigen, die im Zeitalter analoger Fotografie groß und ab und an auch berühmt geworden sind, werden sich möglicherweise gut und gerne erinnern: an den „Workflow“ damaliger Arbeitsprozesse.

Ich war zwar für die 68er etwas zu jung, habe aber einen älteren Bruder (Jhrg. 1950), der durch die Ereignisse der Bewegung genügend motiviert war, kurz vor dem Abitur im Mai mit seinen Schulfreunden sein Gymnasium „anzuzünden“. So zumindest der Sprachgebrauch in der Provinz-, wenn auch Hansestadt Wesel. Später stellte sich allerdings heraus, dass die jugendlichen Vorabiturienten nach einer vorgezogenen Abi-Feier lediglich ins Gymnasium-Gebäude eingestiegen waren und die Feuerlöscher leer „gelöscht“ hatten – ohne Feuer. So blieben meiner Heimatstadt die Auswirkungen der 68er-Bewegung, zumindest unmittelbar, erspart.

1975 fing ich meine Ausbildung zum Fotografen an und die startete in den ersten Monaten mit Dunkelkammer-Dienst: Chemie ansetzen und Filme entwickeln für meine Meister. So ist die großartrige Lebeck-Schau in Wolfsburg auch ein kleines Stück Reise in meine eigene Vergangenheit. ke

„Das Jahr der Studentenunruhen fand ohne mich statt.“
Robert Lebeck, Erinnerungen eines Fotoreporters

Robert Lebeck, Schweißer in den Produktionshallen des Volkswagenwerks, Wolfsburg, 21. Juni 1968, © Archiv Robert Lebeck

Robert Lebeck, Demonstration protestantischer Kinder gegen die britische Armee, Belfast, Ende 1968, © Archiv Robert Lebeck

Robert Lebeck, Die Affektmörderin Gisela Kreutzmann während eines Freigangs im Hamburger Hafen, 14. Oktober 1968, © Archiv Robert Lebeck

Robert Lebeck, Papst Paul VI. im Flugzeug auf dem Weg nach Bogotá, Kolumbien, 22. August 1968, © Archiv Robert Lebeck

Robert Lebeck, Pilger einer christlichen Sekte während der Messe für die kolumbianischen «Campesinos» beim Papstbesuch in Bogotá, Kolumbien, 23. August 1968, © Archiv Robert Lebeck

Robert Lebeck, Joseph und Eva Beuys mit ihren Kindern Wenzel und Jessyka im Beuys-Raum der 4. documenta, Kassel, 27. Juni 1968, © Archiv Robert Lebeck

Robert Lebeck, Auftakt zum Schützenfest, Wolfsburg, 22. Juni 1968, © Archiv Robert Lebeck

Robert Lebeck, Jackie Kennedy und ihre Schwester Lee Radziwill in der St. Patrick’s Cathedral, New York, 7./8. Juni 1968, © Archiv Robert Lebeck

Robert Lebeck, Trauernde mit Kruzifix in der ausgestreckten Hand, New York, 7. Juni 1968, © Archiv Robert Lebeck

Robert Lebeck, Abschied von Robert F. Kennedy an der St. Patrick’s Cathedral, New York, 7./8. Juni 1968, © Archiv Robert Lebeck

Robert Lebeck, Mutter und Tochter auf dem Bootssteg aus der Fotoserie «Die geschiedene Frau», 5. Juni 1968, © Archiv Robert Lebeck

Robert Lebeck, Passanten vor der Silhouette der Prager Burg, Prag, 17. April 1968, © Archiv Robert Lebeck

Robert Lebeck, Rudi Dutschke, Wortführer der deutschen Studentenbewegung, bei einer Rede in der Prager Karls-Universität, 3. April 1968, © Archiv Robert Lebeck

Robert Lebeck, Militärpolizisten schützen Papst Paul VI. vor dem Andrang Hunderttausender Gläubiger in Bogotá, Kolumbien, 22. August 1968, © Archiv Robert Lebeck

Robert Lebeck, Diana Rigg und Curd Jürgens während der Dreharbeiten zum Spielfilm «Mörder GmbH», Venedig, 28. April 1968, © Archiv Robert Lebeck

Robert Lebeck, Kinderkadetten in einer amerikanischen Militärakademie, USA, 20. März 1968, © Archiv Robert Lebeck

Robert Lebeck, Richard Nixon während des Vorwahlkampfs zur Wahl des 46. Präsidenten der USA, Manchester, New Hampshire, 16. Februar 1968, © Archiv Robert Lebeck

Robert Lebeck (1929 – 2014)
Ungewöhnliche Reportagen in den Zeitschriften „Revue“ und „Kristall“ machen den Fotografie-Autodidakten rasch bekannt. Schnell wird der „Stern“, eine der damals auflagenstärksten Illustrierten Deutschlands, auf ihn aufmerksam. 1966 entsendet die Wochenzeitschrift den gebürtigen Berliner als Bildkorrespondenten nach New York. Anfang 1968 kehrt Robert Lebeck zurück nach Hamburg und fotografiert fortan weltweit im Auftrag des „Stern“. Bis 1995 wird er, nur unterbrochen von einem kurzen Intermezzo als Chefredakteur bei „Geo“, als Fotoreporter für die Illustrierte arbeiten. Zahlreiche Ausstellungen, Bücher und Preise würdigen schon zu Lebzeiten sein umfangreiches OEuvre.

Robert Lebeck und das Jahr 1968 – Zwölf Monate, vierundzwanzig Reportagen
„Als in Paris die Barrikaden brannten, arbeitete ich in Florida an einer Serie über zwei ermordete Studentinnen; während Studenten vor dem Springer-Hochhaus demonstrierten, fotografierte ich die Taufe von Hildegard Knefs Kind; und als die Russen in Prag einmarschierten, begleitete ich gerade den Papst nach Bogotá.“ So resümiert der deutsche Fotograf, Bildjournalist und Sammler Robert Lebeck in seinen „Erinnerungen eines Fotoreporters“ das Jahr 1968. Bei genauerer Betrachtung der Kontaktbogen, Fotoabzüge sowie Reportagen von Robert Lebeck, die in diesem epochemachenden Jahr für den „Stern“ entstanden sind, zeigt sich allerdings, wie sehr sich entgegen der Einschätzung des Fotografen die gesellschaftlichen Veränderungen in seinen pointierten Aufnahmen spiegeln.

Diese exemplarischen Reportagefotografien machen den Aktionsradius des Bildjournalisten in diesem Jahr sichtbar. Es folgen acht zentrale Ausstellungskapitel in chronologischer Reihenfolge: vom Prager Frühling bis zum nordirischen Winter. Medienstationen und Großprojektionen bilden den zeitgeschichtlichen Rahmen, in dem die Bedeutsamkeit der Fotografien Robert Lebecks umso deutlicher wird. Original-Kontaktbogen und „Stern“-Hefte geben zudem vertiefte Einblicke in die fotografische Arbeit Lebecks und die bildredaktionelle Praxis jenes Jahres.

In der Ausstellung „Robert Lebeck. 1968“ werden – fünfzig Jahre später – die im mythisierenden Rückblick bislang nicht immer wahrnehmbaren roten Fäden des Jahres zwischen Aufbruch, Protest, Beharren und Scheitern anhand beispielhafter Fotografie-Serien sichtbar, die Robert Lebeck in New York, Bogotá, Kassel, Belfast oder Wolfsburg erstellt hat. Viele von ihnen sind – das macht den besonderen Reiz der Ausstellung aus – nie gedruckt worden und der Öffentlichkeit bislang komplett unbekannt. Ob „Geschiedene Frauen“, Rudi Dutschke in Prag, Robert F. Kennedys Beerdigung oder Joseph Beuys auf der documenta: Stets trifft in Robert Lebecks Arbeiten verdichtete Zeitgeschichte auf starke Bildreportage sowie Fotokunst.
Die Schau beginnt suggestiv mit einem raumhohen All-Over der Fotografie Robert Lebecks und Originaltondokumenten von 1968. Nach einem Saal zu „1968“, der die unterschiedlichsten Aktionsfelder des Fotojournalisten in diesem Jahr sichtbar macht, folgen dann die zentralen acht Ausstellungskapitel und Fotoreportagen in chronologischer Reihenfolge vom Prager Frühling bis zum nordirischen Winter. Medienstationen und Großprojektionen bilden die zeitgeschichtliche Folie, auf der die Bedeutsamkeit der Fotoreportagen Robert Lebecks umso deutlicher wird. Original-Kontaktbogen und „Stern“-Hefte geben den Besuchern zudem vertieften Einblick in die fotografische Arbeit Lebecks und die bildredaktionelle Praxis jener Jahre. Text: Kunstmusem Wolfsburg

ZDF – Zahlen, Daten, Fakten zur Ausstellung:

Ausstellungstitel Robert Lebeck. 1968
Ausstellungszeitraum 4. März bis 22. Juli 2018
Ausstellungsort Gesamtes Obergeschoss des Kunstmuseums Wolfsburg
Ausstellungskuratoren Ralf Beil, Alexander Kraus (IZS, Wolfsburg)
Ausstellungsobjekte 110 eigens fr die Ausstellung produzierte Fine-Art-Prints,
davon 100 in Schwarz-Weiß und 10 in Farbe (Nordirland-Reportage)
33 Original-Kontaktbogen (Wolfsburg, documenta)
18 „Stern“-Hefte des Jahres 1968 mit Robert Lebeck-Fotostrecken
5 Medienstationen (documenta, Fall Kreutzmann, Bogotá)
1 Kinoraum (Beerdigung Robert F. Kennedy)
1 Großprojektion (Joseph Beuys auf der documenta)
sowie originale Tondokumente aus dem Jahr 1968
Ausstellungskatalog Herausgeber Ralf Beil, Alexander Kraus
Verlag Steidl Verlag, Göttingen
Autoren Ralf Beil, Michael Glasmeier, Fabian Köster, Alexander Kraus,
Aleksandar Nedelkovski, Stefanie Pilzweger-Steiner, Stephan Ruderer,
Annette Vowinckel, Martina Winkler, Ulf Erdmann Ziegler
Gestaltung Cordula Lebeck, Berlin
Abbildungen 180 Schwarz-Weiß-Abbildungen, 28 Farb-Abbildungen,
18 „Stern“-Doppelseiten
Technische Übersicht Hardcover, 320 Seiten, 226 Abbildungen, 22,5 x 30 cm
Sprachen deutsche und englische Ausgabe
Preis 38 € im Museumshop

Alle meine Fotos zum Ausstellungspreview finden Sie in den SCHUBLADEN meines Fotoarchives:

PhotoAlbum BEGEGNUNGEN

weitere Informationen:

Kunstmuseum Wolfsburg

YouTube Video ROBERT LEBECK